Kino we Wrocławiu (strona 2)

Pierwotny świat dotknięty kataklizmem. Rzeczywistość, w której snującym się bez celu ludziom przyświeca mechaniczne słońce. To właśnie tu spotykają się dwie bezimienne postaci: jasnowłosa dziewczyna o smutnych oczach i młody mężczyzna, który zasiewa w niej niepokój. Dziewczyna opiekuje się tajemniczym jajem, wierząc, że wykluje się z niego anioł. „Angel’s Egg” Oshii stworzył wspólnie z artystą wizualnym Yoshitaką Amano, jednym z czołowych twórców japońskiej animacji. Film miał premierę w 1985 roku, a krytycy od razu dostrzegli w nim wysmakowane, ambitne dzieło sztuki, choć aż cztery dekady musiały minąć, by „Angel’s Egg” doczekało się należnego mu uznania na całym świecie. Wyrazem tego jest premiera odnowionej cyfrowo wersji, która odbyła się w 2025 roku na Festiwalu Filmowym w Cannes.

Grace udało się przetrwać atak rodziny Le Domas, lecz szybko odkrywa, że tak naprawdę przeszła do kolejnego poziomu koszmarnej gry. Ma tylko jedną szansę, żeby przetrwać, utrzymać swoją siostrę Faith przy życiu oraz zdobyć wysokie stanowisko w Radzie, która rządzi światem. Nie będzie to łatwe, ponieważ polują na nią cztery rywalizujące rodziny w celu zdobycia tronu. Zwycięzca może być tylko jeden.

Laura (w tej roli Paula Beer) to utalentowana pianistka z Berlina. W wypadku samochodowym ginie jej chłopak, natomiast ona sama wychodzi z kolizji niemal bez szwanku. Wstrząśnięta i zdezorientowana bohaterka trafia pod opiekę Betty, kobiety, która była świadkiem całego zdarzenia. Betty zabiera Laurę do swojego skromnego wiejskiego domu, gdzie mieszka sama. Jej mąż Richard i syn Max mieszkają w pobliskiej wsi, gdzie prowadzą warsztat samochodowy. Podczas rodzinnego obiadu mężczyźni ze zdumieniem i rezerwą przyjmują fakt, że Laura mieszka w ich domu. Początkowa nieufność powoli ustępuje miejsca zrozumieniu i pewnej harmonii, kojarzącej się ze spokojnym życiem wśród bliskich. Wkrótce na jaw zaczynają wychodzić rodzinne sekrety, które nie tylko zmienią dynamikę relacji między bohaterami, ale też zmuszą Laurę do konfrontacji z własną stratą i bólem. Tytuł nowego filmu Christiana Petzolda nawiązuje do utworu fortepianowego Maurice’a Ravela, który odgrywa zresztą ważną rolę w fabule. Niemiecki reżyser w typowy dla siebie sposób buduje napięcie za pomocą niedopowiedzeń, subtelnych gestów czy spojrzeń. Jego film to utrzymana w aurze tajemnicy przejmująca opowieść o próbie znalezienia ukojenia po bolesnej stracie.

Kiedy tajemniczy „człowiek z przyszłości” (Sam Rockwell) pojawia się w nocnym barze w Los Angeles, wywraca do góry nogami życie zapatrzonych w telefony klientów. Ma tylko jedną noc, aby zebrać grupę przypadkowych, sfrustrowanych klientów i wyruszyć na niebezpieczną misję, która zdecyduje o losach ludzkości. Stawką jest przetrwanie w świecie, w którym zbuntowana sztuczna inteligencja szykuje ostateczny cios. Każdy z bohaterów to kalejdoskop różnorodności – czy razem zdołają ocalić przyszłość? „Baw się dobrze i przeżyj” to pełen zwrotów akcji i błyskotliwych dialogów film, który łączy klimat kina przygodowego z aktualnym, elektryzującym tematem zagrożeń ze strony AI. 84% pozytywnych recenzji na Rotten Tomatoes! Oto film, który zachwycił krytyków i natychmiast został okrzyknięty jednym z najbardziej wyjątkowych projektów roku. Szalona mieszanka akcji, humoru i technologii, która wymyka się spod kontroli. „Baw się dobrze i przeżyj” to najnowsza produkcja Gore’a Verbinski’ego - wizjonera odpowiedzialnego za megahitową serię „Piraci z Karaibów” i oscarową animację „Rango”. W rolach głównych laureat Oscara Sam Rockwell („Trzy billboardy za Ebbing, Missouri”, „Biały Lotos”), Haley Lu Richardson („Biały Lotos”), Michael Peña („Ant-Man”, „Narcos: Mexico”), Zazie Beetz („Joker”, „Deadpool 2”) oraz Juno Temple („Ted Lasso”, „Substancja”). Scenariusz napisał Matthew Robinson („Love and Monsters”), a muzykę skomponował Geoff Zanelli („Piraci z Karaibów: Zemsta Salazara”).

Weteran wojny w Wietnamie, John J. Rambo (Sylvester Stallone), dociera do miasteczka Hope w stanie Waszyngton, by odnaleźć dawnego przyjaciela. Miejscowy szeryf (Brian Dennehy) uznaje go za przybłędę i próbuje zmusić do opuszczenia miasta. Gdy Rambo odmawia, przedstawiciele policji zaczynają się nad nim znęcać. Mężczyzna ucieka w miejsce, w którym potrafi walczyć najlepiej – do otaczającego miasteczko lasu. Od tej pory to policja będzie dla niego zwierzyną. Kultowy film Teda Kotcheffa pozwolił Sylvestrowi Stallone wspiąć się na szczyt listy największych gwiazd Hollywood, a ponadto doczekał się czterech kontynuacji i tysięcy nawiązań w popkulturze. Często zapomina się jednak, że „Rambo: Pierwsza krew” to nie tylko doskonały film akcji, ale przede wszystkim arcydzieło kina antywojennego mierzące się z problemem stresu pourazowego i bezlitośnie rozdrapujące ranę, którą dla amerykańskiego społeczeństwa była zakończona niedawno wojna w Wietnamie.

Nominowana do Oscara®, monumentalna opowieść o poświęceniu, pasji i dążeniu do doskonałości w przepięknej oprawie wizualnej. Wygodne życie nastoletniego syna przywódcy yakuzy kończy się, gdy jego rodzice giną w zamachu. Trafia pod opiekę słynnego aktora (Ken Watanabe, znany z Ostatniego samuraja i Incepcji), który dostrzega jego sceniczny talent. Rozpoczyna się katorżniczy trening i braterska rywalizacja z synem mentora w drodze na szczyt. Kokuho to przepiękna i wzruszająca historia życia człowieka pochłanianego przez własne ambicje, która zachwyciła miliony widzów na całym świecie. Powalająca pięknem dialogów i krajobrazów podróż przez drugą połowę XX wieku. Film miał premierę na MFF w Cannes, został okrzyknięty japońskim filmem roku, a także wybrany tamtejszym kandydatem do Oscara. Wcielający się w głównego bohatera Ryo Yoshizawa przez 18 miesięcy uczył się aktorstwa teatru kabuki, by uwieść widownię swoim niesamowitym przeobrażeniem w gwiazdora tradycyjnych japońskich scen. Wizualny poemat, przepełniony pięknem i feerią barw, który opowiada historię zarazem magiczną i tragiczną. Kokuho łączy monumentalizm “Brutalisty” z medytacyjnością „Drive My Car” i brawurowym obrazem poświęcenia w imię artystycznego spełnienia rodem z „Czarnego łabędzia”. Malarskie zdjęcia prowadzą widza za rękę w filmowy świat, podczas gdy bogata scenografia i wybitna charakteryzacja pozwalają zapomnieć, iż obcujemy z fikcją.

Reżyserski debiut Kristen Stewart, który miał swoją premierę na Festiwalu w Cannes, przyjęto owacjami na stojąco. Aktorka, która stawiała pierwsze kroki m.in. u boku Jodie Foster w uznanym przez krytyków thrillerze D. Finchera „Azyl” (2002), globalną sławę zyskała, wcielając się w rolę Belli Swan w serii filmów z uniwersum „Zmierzchu”, które dziś przeszły już do kanonu współczesnej popkultury. Jednak późniejsze wybory artystyczne Stewart są o wiele bardziej nieoczywiste i wykraczają daleko poza ramy klasycznego Hollywood. Decyzja o tym, aby zadebiutować reżysersko poprzez przeniesienie na filmowy ekran stosunkowo trudnej i pełnej narracyjnych łamigłówek autobiograficznej powieści, to kolejny przejaw artystycznej dojrzałości aktorki. Jej popularność wcale nie sprawiła, że film powstał w sposób szybki, lekki i przyjemny. Kristen walczyła osiem lat o jego realizację – od samodzielnego napisania scenariusza po zagwarantowanie finansowania. W efekcie „Chronologia wody”, będąca adaptacją wspomnień Lidii Yuknavitch, to pełne zanurzenie w ekstremalne doświadczenia – opowieść o koszmarnym dzieciństwie, młodzieńczym samozniszczeniu oraz ratunku, jakim dla bohaterki stają się pływanie i pisanie. W centrum filmu znajduje się kobiece ciało, to przez nie Lidia (wspaniała, fizyczna rola Imogen Poots) poznaje radość i ból, to z nim eksperymentuje, to od niego ucieka, to je trenuje, dyscyplinuje, zaniedbuje, to z niego czerpie całą swoją siłę. Kiedy ją poznajemy, jest wciąż dziewczynką, za którą krok w krok podąża ojcowskie spojrzenie. Imponująca, przejmująca do szpiku kości adaptacja autobiograficznej powieści Lidii Yuknavitch błyskotliwie przekłada słowa na obrazy, szatkuje niechciane wspomnienia, puszcza wodze fantazji, traci i odzyskuje kontrolę, mąci wodę, ale z determinacją najlepszej pływaczki pewnymi ruchami sunie do przodu. Ta opowieść zaczyna się jak tsunami – fala, która unicestwia domy i ludzi, lecz kształt wody, a wraz z nią emocjonalna temperatura i rytm „Chronologii wody” zmieniają się z rozdziału na rozdział.

„Projekt Hail Mary” powstał na podstawie bestsellerowej powieści Andy'ego Weira, z nominowanym do Oscara® Ryanem Goslingiem, w reżyserii zdobywców Oscara® Phila Lorda i Christophera Millera. Nauczyciel i biolog molekularny Ryland Grace (Ryan Gosling) budzi się na statku kosmicznym oddalonym lata świetlne od Ziemi, nie pamiętając, kim jest ani jak się znalazł poza Ziemią. Powoli zaczyna przypomianać sobie cel misji: rozwiązać zagadkę tajemniczej substancji, która powoduje obumieranie Słońca. Ryland wykorzystuje wiedzę naukową i niekonwencjonalne pomysły, aby uratować planetę przed zagładą… jednak niespodziewana przyjaźń sprawi, że może nie będzie musiał robić tego samotnie.

Młoda córka dziennikarza znika bez śladu na pustyni. Po ośmiu latach załamana rodzina doznaje wstrząsu. Dziewczyna powraca, ale to, co powinno być radosnym wydarzeniem, zmienia się w koszmar na jawie. W filmie w rolach głównych występują Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy, Natalie Grace oraz Veronica Falcón. Scenarzystą i reżyserem jest Cronin, a producentami są James Wan, Jason Blum i John Keville. Funkcję producentów wykonawczych pełnią Michael Clear, Judson Scott, Macdara Kelleher i sam Lee Cronin. Po drugiej stronie kamery Cronina wspierają uznani artyści, w tym operator Dave Garbett, scenograf Nick Bassett, montażysta Bryan Shaw i projektantka kostiumów Joanna Eatwell. Muzykę skomponował Stephen McKeon, a reżyserkami castingu są Terri Taylor i Sarah Domeier Lindo. New Line Cinema, Atomic Monster i Blumhouse przedstawiają produkcję Wicked/Good w reżyserii Lee Cronina pod tytułem Mumia: Film Lee Cronina. Reżyser Lee Cronin powraca do jednej z najbardziej rozpoznawalnych opowieści grozy śmiałym i zaskakującym obrazem Mumia: Film Lee Cronina.

„Dobry chłopiec” to kolejna międzynarodowa produkcja Jana Komasy, reżysera nominowanego do Oscara „Bożego Ciała” oraz głośnych filmów „Hejter” i „Miasto 44”. Światowa premiera filmu „Dobry chłopiec” odbyła się podczas jubileuszowej 50. edycji Międzynarodowego Festiwalu Filmowego w Toronto. Film został zaproszony do prestiżowej sekcji Centrepiece, która - jak podkreślają organizatorzy - „honoruje i świętuje globalne osiągnięcia filmowe”, prezentując wybitne, współczesne dzieła z całego świata. Najnowszy film Komasy to opowieść, która wciąga od pierwszych minut w kalejdoskop wieloznaczności i prowokuje do głębokiej refleksji. Historia, która wodzi za nos czarnym humorem, a jednocześnie zadaje wiele trudnych pytań o granice moralności, nie dając jednoznacznych odpowiedzi. Zmusza do konfrontacji z własnymi przekonaniami i nikogo nie pozostawia obojętnym. W rolach głównych: Stephen Graham nagrodzony Złotym Globem za swoją poruszającą rolę w serialu „Dojrzewanie”, Andrea Riseborough („Birdman”), Anson Boon („1917”, „Strefa gangsterów”) oraz Monika Frajczyk („Zielona granica”). Za produkcję „Dobrego chłopca” odpowiadają nominowani do Oscara za film „IO” Ewa Piaskowska i Jerzy Skolimowski oraz uznany producent brytyjski, założyciel Recorded Picture Company, Jeremy Thomas („Ostatni cesarz”, „Sexy Beast”, „Tylko kochankowie przeżyją”). Autorem zdjęć jest Michał Dymek, mający na koncie nominowane do Oscara filmy „Dziewczyna z Igłą” Magnusa von Horna, „Prawdziwy ból” Jesse’ego Eisenberga oraz „IO” Jerzego Skolimowskiego. Scenariusz napisali debiutant Bartek Bartosik we współpracy z Naqqash Khalid.

New Line Cinema przedstawia kolejną filmową odsłonę kasowej serii gier wideo w całej swej brutalnej chwale - Mortal Kombat II. Tym razem ulubieńcy widzów, z udziałem samego Johnny’ego Cage’a, stają do walki w ostatecznych, pozbawionych hamulców krwawych zmaganiach, żeby obalić mroczne rządy Shao Kahna, zagrażające istnieniu Ziemi i jej obrońców. W rolę Johnny’ego Cage’a wciela się Karl Urban, a towarzyszą mu Adeline Rudolph, Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Mehcad Brooks, Tati Gabrielle, Lewis Tan, Damon Herriman oraz Chin Han, Tadanobu Asano w roli lorda Raidena, Joe Taslim jako Bi-Han i Hiroyuki Sanada w rolach Hanzo Hasashiego i Skorpiona. Stery widowiska, podobnie jak w przypadku wybuchowej adaptacji z 2021 roku, obejmuje Simon McQuoid. Autorem scenariusza jest Jeremy Slater, który oparł się na grze wideo stworzonej przez Eda Boona i Johna Tobiasa. Producentami są Todd Garner, E. Bennett Walsh, James Wan, Toby Emmerich i Simon McQuoid, natomiast producenci wykonawczy to Michael Clear, Judson Scott, Jeremy Slater, Ed Boon i Lawrence Kasanoff. Do McQuoida dołączyli także autor zdjęć Stephen F. Windon, scenograf Yohei Taneda, montażysta Stuart Levy i projektantka kostiumów Cappi Ireland. Za casting odpowiada Rich Delia, a za skomponowanie muzyki - Benjamin Wallfisch. New Line Cinema przedstawia produkcję Atomic Monster, Broken Road i Fireside Films pod tytułem Mortal Kombat II. Film będzie dystrybuowany na całym świecie przez Warner Bros. Pictures, wyłącznie w kinach i kinach IMAX®, od 8 maja 2026 roku w Ameryce Północnej i od 6 maja 2026 w pozostałych częściach globu.

George Hardy (Hugh Jackman) to pasterz, który kocha swoje owce i hoduje je wyłącznie dla wełny. Każdej nocy czyta im na głos kryminały, udając, że owce je rozumieją, nie podejrzewając, że nie tylko je rozumieją, ale także godzinami dyskutują o tym, kto jest sprawcą zbrodni. Kiedy George zostaje znaleziony martwy w tajemniczych okolicznościach, owce od razu zdają sobie sprawę, że było to morderstwo i uważają, że wiedzą wszystko o tym, jak je rozwiązać. Z drugiej strony lokalny policjant Tim Derry (Nicholas Braun) nigdy w życiu nie rozwiązał poważnej zbrodni, więc owce dochodzą do wniosku, że będą musiały rozwiązać ją same – nawet jeśli oznacza to opuszczenie swojej łąki po raz pierwszy i zmierzenie się z faktem, że świat ludzi nie jest tak prosty, jak wydaje się w książkach. Film wyreżyserował Kyle Balda, a scenariusz napisał Craig Mazin. W rolach głównych występują Nicholas Galitzine, Molly Gordon, Julia Louis-Dreyfus, Bryan Cranston, Chris O’Dowd, Regina Hall, Patrick Stewart, Hong Chau, Emma Thompson, Tosin Cole, Kobna Holdbrook-Smith, Conleth Hill i Mandeep Dhillon. Producentami są Lindsay Doran, Tim Bevan i Eric Fellner. Producentami są Working Title Films i Three Strange Angels. Film zrealizowany na podstawie powieści Leonie Swann, która w Polsce wydana została pod tytułem "Sprawiedliwość owiec. Filozoficzna powieść kryminalna".

New Line Cinema przedstawia kolejną filmową odsłonę kasowej serii gier wideo w całej swej brutalnej chwale - Mortal Kombat II. Tym razem ulubieńcy widzów, z udziałem samego Johnny’ego Cage’a, stają do walki w ostatecznych, pozbawionych hamulców krwawych zmaganiach, żeby obalić mroczne rządy Shao Kahna, zagrażające istnieniu Ziemi i jej obrońców. W rolę Johnny’ego Cage’a wciela się Karl Urban, a towarzyszą mu Adeline Rudolph, Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Mehcad Brooks, Tati Gabrielle, Lewis Tan, Damon Herriman oraz Chin Han, Tadanobu Asano w roli lorda Raidena, Joe Taslim jako Bi-Han i Hiroyuki Sanada w rolach Hanzo Hasashiego i Skorpiona. Stery widowiska, podobnie jak w przypadku wybuchowej adaptacji z 2021 roku, obejmuje Simon McQuoid. Autorem scenariusza jest Jeremy Slater, który oparł się na grze wideo stworzonej przez Eda Boona i Johna Tobiasa. Producentami są Todd Garner, E. Bennett Walsh, James Wan, Toby Emmerich i Simon McQuoid, natomiast producenci wykonawczy to Michael Clear, Judson Scott, Jeremy Slater, Ed Boon i Lawrence Kasanoff. Do McQuoida dołączyli także autor zdjęć Stephen F. Windon, scenograf Yohei Taneda, montażysta Stuart Levy i projektantka kostiumów Cappi Ireland. Za casting odpowiada Rich Delia, a za skomponowanie muzyki - Benjamin Wallfisch. New Line Cinema przedstawia produkcję Atomic Monster, Broken Road i Fireside Films pod tytułem Mortal Kombat II. Film będzie dystrybuowany na całym świecie przez Warner Bros. Pictures, wyłącznie w kinach i kinach IMAX®, od 8 maja 2026 roku w Ameryce Północnej i od 6 maja 2026 w pozostałych częściach globu.

Вд студ New Line Cinema — новий вибуховий роздл культово франшизи, створено за мотивами легендарно вдеогри Mortal Kombat II. Цього разу у фанатському бойовому строю — вже з самим Джонн Кейджем — чемпони зштовхуються один з одним у безжальному, кривавому протистоянн без правил. хня мета — зупинити темне правлння Шао Кана, що загрожу самому снуванню Земного царства та його захисникв. --- New Line Cinema przedstawia kolejną filmową odsłonę kasowej serii gier wideo w całej swej brutalnej chwale - Mortal Kombat II. Tym razem ulubieńcy widzów, z udziałem samego Johnny’ego Cage’a, stają do walki w ostatecznych, pozbawionych hamulców krwawych zmaganiach, żeby obalić mroczne rządy Shao Kahna, zagrażające istnieniu Ziemi i jej obrońców. W rolę Johnny’ego Cage’a wciela się Karl Urban, a towarzyszą mu Adeline Rudolph, Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Mehcad Brooks, Tati Gabrielle, Lewis Tan, Damon Herriman oraz Chin Han, Tadanobu Asano w roli lorda Raidena, Joe Taslim jako Bi-Han i Hiroyuki Sanada w rolach Hanzo Hasashiego i Skorpiona. Stery widowiska, podobnie jak w przypadku wybuchowej adaptacji z 2021 roku, obejmuje Simon McQuoid. Autorem scenariusza jest Jeremy Slater, który oparł się na grze wideo stworzonej przez Eda Boona i Johna Tobiasa. Producentami są Todd Garner, E. Bennett Walsh, James Wan, Toby Emmerich i Simon McQuoid, natomiast producenci wykonawczy to Michael Clear, Judson Scott, Jeremy Slater, Ed Boon i Lawrence Kasanoff. Do McQuoida dołączyli także autor zdjęć Stephen F. Windon, scenograf Yohei Taneda, montażysta Stuart Levy i projektantka kostiumów Cappi Ireland. Za casting odpowiada Rich Delia, a za skomponowanie muzyki - Benjamin Wallfisch. New Line Cinema przedstawia produkcję Atomic Monster, Broken Road i Fireside Films pod tytułem Mortal Kombat II. Film będzie dystrybuowany na całym świecie przez Warner Bros. Pictures, wyłącznie w kinach i kinach IMAX®, od 8 maja 2026 roku w Ameryce Północnej i od 6 maja 2026 w pozostałych częściach globu.

Film, zrealizowany w technologii 3D i wyreżyserowany przez laureatów Oscarów® Jamesa Camerona oraz Billie Eilish, został zarejestrowany podczas trasy koncertowej. Jako dwukrotna zdobywczyni Oscara® i dziewięciokrotna laureatka nagrody Grammy, Eilish należy do najbardziej cenionych i odnoszących największe sukcesy artystek swojego pokolenia, regularnie plasując się wśród najczęściej słuchanych wykonawców na świecie.

George Hardy (Hugh Jackman) to pasterz, który kocha swoje owce i hoduje je wyłącznie dla wełny. Każdej nocy czyta im na głos kryminały, udając, że owce je rozumieją, nie podejrzewając, że nie tylko je rozumieją, ale także godzinami dyskutują o tym, kto jest sprawcą zbrodni. Kiedy George zostaje znaleziony martwy w tajemniczych okolicznościach, owce od razu zdają sobie sprawę, że było to morderstwo i uważają, że wiedzą wszystko o tym, jak je rozwiązać. Z drugiej strony lokalny policjant Tim Derry (Nicholas Braun) nigdy w życiu nie rozwiązał poważnej zbrodni, więc owce dochodzą do wniosku, że będą musiały rozwiązać ją same – nawet jeśli oznacza to opuszczenie swojej łąki po raz pierwszy i zmierzenie się z faktem, że świat ludzi nie jest tak prosty, jak wydaje się w książkach. Film wyreżyserował Kyle Balda, a scenariusz napisał Craig Mazin. W rolach głównych występują Nicholas Galitzine, Molly Gordon, Julia Louis-Dreyfus, Bryan Cranston, Chris O’Dowd, Regina Hall, Patrick Stewart, Hong Chau, Emma Thompson, Tosin Cole, Kobna Holdbrook-Smith, Conleth Hill i Mandeep Dhillon. Producentami są Lindsay Doran, Tim Bevan i Eric Fellner. Producentami są Working Title Films i Three Strange Angels. Film zrealizowany na podstawie powieści Leonie Swann, która w Polsce wydana została pod tytułem "Sprawiedliwość owiec. Filozoficzna powieść kryminalna".

Film Sophie Hyde, twórczyni przeboju filmowego "Powodzenia, Leo Grande", ze zdobywczynią Oscara Olivią Colman i nominowanym do Oscara Johnem Lithgowem w rolach głównych. To słodko-gorzki portret rodziny, w której bliskość bywa trudniejsza niż konflikt, a miłość wymaga odwagi, by pozwolić innym żyć po swojemu. Reżyserka Hannah (Olivia Colman) podróżuje z mężem Harrym (Daniel Henshall) i nastoletnim dzieckiem Frances (Aud Mason-Hyde) z Australii do Amsterdamu, by odwiedzić swojego ojca, ekscentrycznego i nieprzewidywalnego Jimpę (John Lithgow). Gdy Frances oznajmia, że zamiast wracać do domu chce zostać z dziadkiem na dłużej, Hannah musi zmierzyć się z trudną rodzinną przeszłością, pełną niewypowiedzianych żalów i decyzji, których bolesne konsekwencje są wciąż odczuwalne.

Pięciokrotna mistrzyni USA i jedna z najwybitniejszych wspinaczek na świecie – Emily Harrington jako pierwsza kobieta wspięła się w mniej niż 24 godziny na El Capitan w Yosemite. To kultowy cel wspinaczy, osiągany do tej pory wyłącznie przez mężczyzn, którego zdobycie zwyczajowo zajmuje sprawnemu alpiniście 2–3 dni, a i tak tylko 60% prób kończy się sukcesem. Film, oparty na zjawiskowych obrazach kalifornijskiej formacji skalnej, opowiada o fenomenie wspinaczki, wytrwałości, determinacji i poświęceniu w przełamywaniu własnych barier, a także fizycznej i emocjonalnej walce z własnymi ograniczeniami i presją czasu. To wyzwanie jest jednak czymś więcej niż tylko zdobyciem masywu – to dowód, że płeć nie ma znaczenia w zetknięciu z wielkością i majestatem gór. W sporcie, od dawna zdominowanym przez mężczyzn, wyczyn Harrington, która zdobyła już Mount Everest i najwyższe szczyty na każdym kontynencie, redefiniuje granice w życiu i sporcie udowadniając, że wspinaczka to nie tylko męski sport.

Silne pragnienie macierzyństwa i narastająca presja ze strony najbliższych popychają Alejandrę do desperackiego kroku – zaczyna udawać, że jest w ciąży. Niewinne kłamstwo szybko przeradza się w coraz bardziej skomplikowaną mistyfikację, którą przez wiele miesięcy musi podtrzymywać przed mężem i rodziną. Z każdym dniem Alejandra coraz głębiej pogrąża się w świecie pozorów, który stopniowo zaczyna przejmować kontrolę nad jej życiem. Gdy napięcie rośnie, a rzeczywistość wymyka się spod kontroli, bohaterka staje przed decyzją, która zaciera granicę między prywatną tajemnicą a publicznym skandalem. Film jest poruszającym portretem kobiety uwięzionej w sieci własnych kłamstw, a zarazem opowieścią o samotności, presji społecznej i desperackiej potrzebie spełnienia marzenia o macierzyństwie.

Czy żyjemy w Orwellowskim świecie? Czy wizje autora powieści „1984” są jeszcze fikcją czy raczej naszą rzeczywistością? Film nominowanego do Oscara® Raoula Pecka („Nie jestem twoim Murzynem”, „Ernest Cole: odnaleziona legenda” - pokazywane na festiwalu MDAG) ukazuje ostatnie miesiące życia George’a Orwella i szuka źródeł kluczowych społeczno-politycznych idei, które łączą jego dystopijną powieść z naszym światem. Podwójne myślenie, algorytmy, nowomowa, dziura pamięci, nieosoba, zbrodnia myślowa czy Wielki Brat – to hasła, które odbijają się dziś szerokim echem, zmuszając do analizy mechanizmów władzy, propagandy i systemowej przemocy. Łącząc fragmenty filmowych adaptacji powieści „1984” z mozaiką obrazów i symboli związanych z XXI wiekiem, reżyser tworzy wielowarstwową narrację, konfrontując proroczy mit Orwella z prawdziwym obliczem naszej rzeczywistości. We współczesnym świecie, pełnym zakłamania, wojen i manipulacji, proste matematyczne równanie 2+2 nie równa się już cztery, lecz pięć. To przesłanie może okazać się dla nas ostatnim ostrzeżeniem.

Zakończyła się ceremonia otwarcia Federacji Państw Potworów Tempest. Rimuru i jego towarzysze dostają zaproszenie na prywatną wyspę od Elmesii, niebiańskiej cesarzowej wielkiego państwa elfów – Magicznej Dynastii Salion. Wypoczynek bohaterów nie trwa jednak długo. Wkrótce pojawia się tajemnicza Yura. Bezkresne Morze Lazurowe będzie stanowić tło nowych niepokojących wydarzeń… Film oparty na serii light novel Fuse’a wyreżyseruje Yasuhito Kikuchi przy współpracy ze studiem eightbit. Kikuchi jest również współautorem scenariusza, który napisał wspólnie z Toshizō Nemoto na podstawie pomysłu Fuse’a. Ryōma Ebata (animator pracujący m.in. przy Stars Align) będzie jak dotąd odpowiadał za projekty postaci, a Hitoshi Fujima skomponuje ścieżkę dźwiękową.

Czterdziestopięcioletni Adam (Patrick Hivon) prowadzi skromne, uporządkowane życie, będąc właścicielem schroniska dla psów. Większość czasu spędza ze swoim najlepszym przyjacielem Frankiem (Eric K. Boulianne) oraz wymagającym, ale życzliwym ojcem (Gilles Renaud). Pozory potrafią mylić, bo nadwrażliwy mężczyzna jest na skraju depresji, ukrywając swoje egzystencjalne lęki. W dużej mierze są one związane z kondycją naszej planety. Adama przytłacza myśl, że zmiany klimatyczne osiągnęły punkt krytyczny i nie ma już od niego odwrotu. Oprócz przepisanych przez psychiatrę leków, mężczyzna decyduje się spróbować solarnej lampy terapeutycznej, która ma poprawić jego samopoczucie. Dzwoniąc na infolinię pomocy technicznej, poznaje Tinę (Piper Perabo). Pogodną kobietę, której głos łagodzi wszystkie jego zmartwienia. To nieoczekiwane telefoniczne spotkanie zmienia wszystko… Film Anne Émond to pełna optymizmu komedia romantyczna rozgrywająca się w czasach kryzysu klimatycznego. Kanadyjska reżyserka za sprawą tej niewinnej opowieści wlewa w nasze serca odrobinę optymizmu w rzeczywistości, w której raczej jest go niewiele.

Fatma Hassona – 24-letnia palestyńska fotoreporterka i główna bohaterka filmu, zginęła wraz z siedmioma członkami swojej rodziny 15 kwietnia 2025 roku w Strefie Gazy w wyniku zbombardowania jej domu przez Izrael. Film jest zapisem jej losów w sercu piekła mieszkańców Strefy Gazy, w czasie gdy Izrael dokonywał tam ludobójstwa. Reżyserka, znana z dokumentowania konfliktów w Iranie („Teheran bez autoryzacji”, „Czerwona róża”, „Syrena”) za pomocą telefonu komórkowego rejestruje rok codziennego życia młodej Palestynki pod izraelską okupacją, jej zmagania o przetrwanie, ucieczki z miasta do miasta, bombardowania i relacje o popełnionych zbrodniach. Między kobietami rodzi się niemal matczyna więź. Każda sekunda filmu przybliża nas do nieuchronnej i zbliżającej się śmierci Fatmy, a jej relacje są nie tylko dojmującym świadectwem ludobójstwa na Palestyńczykach, ale nabierają kluczowego znaczenia dla historii. Fatma dzień przed śmiercią dowiedziała się, że film został zakwalifikowany do konkursu Festiwalu Filmowego w Cannes.

23. Millennium Docs Against Gravity we Wrocławiu Podczas 23. Millennium Docs Against Gravity we wrocławskim kinie DCF będzie można zobaczyć ponad 80 filmów dokumentalnych z całego świata. 23. MDAG to fascynująca podróż nie tylko dookoła świata, ale także przez wiele ważnych tematów – od ekologii, przez politykę i psychologię, prawa człowieka, sztukę (w tym awangardową), popkulturę, aż po relacje rodzinne. W programie festiwalu ponownie pojawi się wiele nowych sekcji, które pokazują tematy istotne dla twórców i twórczyń kina dokumentalnego w ostatnim roku. Kobiety zmieniają świat Sekcja powraca z intymnymi historiami nieustraszonych pionierek, które walczą o równość bez względu na cenę. New York I love you, but… Zbiór filmów o nowojorskiej bohemie artystycznej i jej skomplikowanej relacji z metropolią, która jednocześnie stanowi dla niej źródło inspiracji. W imię ojca i syna Filmy opowiadające o przemianach współczesnych relacji między ojcami i synami. Wszystkie oczy na Palestynę Sekcja przybliżająca sytuację polityczną i społeczną Palestyńczyków oraz codzienność życia w cieniu konfliktu i braku stabilizacji. Tegoroczny motyw festiwalu – Poszukiwania – powraca w filmach Konkursu Głównego w wielu odsłonach. To zarówno dosłowne historie, jak: poszukiwanie zaginionego syna w filmie „Bez końca” szukanie domu w „Lis i różowy księżyc” tropienie wyjątkowego ptaka w „Pieśniach lasu” Forma konkursowych filmów to również twórcza eksploracja – od immersyjnego doświadczenia „Kłopotliwego niedźwiedzia”, przez precyzyjne kadry „Córek góry”, aż po połączenie fikcji i dokumentu w „Moim dziecku”. Wiele historii osadzonych jest w konkretnych krajobrazach: miasto „Mariinka” jako przestrzeń podziałów i więzi Islandia w „O wodzie i czasie”, ukazująca globalne stawki środowiskowe „Pomiędzy woskiem i złotem”, opowiadające historię narodu przez pryzmat jednego hotelu Motyw poszukiwania dotyczy także relacji międzyludzkich: „Bugboy” – dorastanie syna przy wsparciu ojca „Yo (Miłość jest zbuntowanym ptakiem)” – refleksja nad przyjaźnią i stratą „Wszędzie dobrze wszędzie źle” – osobista próba zrozumienia relacji kształtujących życie reżyserki